CAC Málaga - Centro de Arte Contemporáneo de Málaga
Comisariada por Fernando Francés
La primera exposición individual en Europa de Phil Frost (Nueva York, 1973) comprende una selección de obras, puertas de madera y pinturas producidas con técnicas diversas, que han sido realizadas a lo largo de su trayectoria artística, desde 1997 hasta la actualidad. Su obra se arraiga en las sensaciones, la percepción, el medio ambiente, la memoria y la imaginación, por influencias del arte tribal que surge de emociones tumultuosas a través de un proceso meditado y calculado. En sus obras, el artista incluye objetos pegados como coches de juguete, piedras pequeñas, botellas con botones o latas, entre otros, utilizando como soporte lienzos, madera o puertas.
Más información: CAC Málaga
The Brant Foundation. Art Study Center, Greenwich (Connecticut)
La primera retrospectiva de Salle en las dos últimas décadas incluye unas cuarenta obras de las colecciones Brant y préstamos de colecciones privadas internacionales, fundaciones y museos.
Salle ha desarrollado, a lo largo de cuarenta años, una sintaxis visual estrictamente controlada. Al igual que en poesía, música y cualquier otro lenguaje organizado sintácticamente, lo que cuenta es la infinidad de relaciones entre las partes y el todo. La obra de Salle es "orquestal" por naturaleza y puede ser vista en el contexto más amplio del Modernismo de principios y mediados del s. XX, específicamente en el lenguaje (visual o verbal) de poetas y pintores, artistas que han tratado de captar el ritmo y complejidad de la vida contemporánea a través del uso de la sinécdoque, la comprensión narrativa, la yuxtaposición y una resistencia general a la clausura.
Más información: The Brant Foundation
Imagen: Tom Powel Imaging
Dallas Contemporary, Dallas (Texas)
Comisariada por el director ejecutivo Peter Doroshenko
CELL GRIDS, la primera exposición de Peter Halley en Texas en más de quince años, presenta una excepcional serie de pinturas realizadas desde 2015 hasta la actualidad. CELL GRIDS exhibe una línea sorprendente del trabajo de Halley, pinturas en las que uno de los elementos de su inconfundible iconografía – sus rectilíneas "celdas" de colores intensos - es aislado y dispuesto en cuadrículas sincopadas, poniendo su obra en diálogo con la cuadrícula estructural del Modernismo clásico representada en la obra Piet Mondrian, Agnes Martin, Andy Warhol y otros.
Mostradas por primera vez de forma conjunta en Dallas Contemporary, este grupo de dieciocho pinturas de gran formato amplía la continua exploración de Halley sobre el lenguaje pictórico. La exposición ofrece una sorprendente y novedosa forma de enfrentarse al trabajo del artista.
Más información: Dallas Contemporary
Illuminated River es una obra de arte público creada para llevar un suave movimiento de luz y color a nueve de los puentes de Londres, aportándoles una nueva definición y visibilidad. La reciente iluminación de los puentes de Blackfriars Road, Waterloo, Golden Jubilee, Westminster y Lambeth amplía la transformación del centro de Londres. Esta instalación unificada, de sutil movimiento, creada por el artista norteamericano Leo Villareal, se extiende ahora a lo largo de nueve puentes del Támesis, desde el Puente de Londres hasta el de Lambeth, para formar la comisión arte público más extensa del mundo, que podrá contemplarse como mínimo durante la próxima década.
En medio de la pandemia, los efectos de calma y tranquilidad de esta obra al aire libre adquieren una importancia aún mayor, animando a los londinenses a pasear por el Támesis, a detenerse y contemplar la belleza de su ciudad. En estos difíciles momentos, esta obra de arte es un símbolo resiliente de Londres como una capital mundial particularmente innovadora. El enfoque de Villareal se inspira en el espíritu de artistas que van del Romanticismo inglés a los Impresionistas, con referentes como Monet y Whistler cuyas pinturas inmortalizan el río de Londres y sus puentes mediante sus colores y luces.
Más información: Illuminated River
Imagen: James Newton. Cortesía Leo Villareal Studio
IVAM - Instituto Valenciano de Arte Moderno, Valencia
Imaginarios mecánicos y técnicos reunirá artistas de la colección del IVAM interesados en diseñar y construir mecanismos, pero también en crear imaginarios que reflejen el espíritu de la cultura industrial y científica que los rodea. Asimismo, se mostrarán obras de “tecnólogos visionarios" o de aquellos que, utilizando materiales y técnicas extraídas de la manufactura industrial, reflexionan sobre el espíritu, el tiempo, el cuerpo y la memoria.
Se incluirán también creadores que defienden el diálogo entre la ciencia y el arte, como Yturralde, o narradores conceptuales que investigan sobre la percepción de las imágenes a través del medio fotográfico, utilizando la iconografía mecánica como tema básico. Así mismo se prestará especial atención a la cuestión del trabajo y su relación con la máquina, incluyendo obras de artistas contemporáneas que trabajan desde los feminismos.
Además, acompañando esta exposición, la sala de la Biblioteca del IVAM mostrará una revisión de los movimientos de la abstracción geométrica nacidos en los años sesenta en nuestro territorio.
Más información: IVAM
Brooklyn Museum, Nueva York
Durante veinticinco años, el artista de Brooklyn KAWS (Brian Donnelly, 1974) ha abarcado el mundo del arte, la cultura popular y el mercado. Adaptando las reglas de la producción cultural y el consumo en el siglo veintiuno, su práctica critica y al mismo tiempo participa en la sociedad de consumo. KAWS: WHAT PARTY es un estudio en profundidad que incluye más de cien obras, como dibujos y cuadernos de graffiti rara vez vistos, pinturas y esculturas, pequeñas piezas de colección, mobiliario e instalaciones monumentales con sus conocidas figuras COMPANION. También se exponen nuevas obras creadas exclusivamente para la muestra junto con anuncios intervenidos de sus comienzos.
Más información: Brooklyn Museum
IVAM - Instituto Valenciano de Arte Moderno, Valencia
"Esta obra, titulada Hathor (que toma el nombre de una Diosa egipcia), pertenece a la serie pictórica Enso, caracterizada por representar formas circulares y que llevo desarrollando desde 2015. El círculo y su extensión tridimensional, la esfera, con infinitos matices, son parte de la naturaleza y de todas las culturas donde históricamente ha mantenido una trascendencia mágica. Ambos simbolizan la perfección y sus efectos, como el cielo cósmico o sus movimientos cíclicos.
Enso es un modo de iluminación, un ejercicio espiritual, y simboliza el universo, el vacío, la infinitud…. Mi acercamiento a este concepto es subjetivo y relativo, pues pertenezco a la cultura occidental; desde esta me expreso y a través de ella busco los valores místicos y sagrados que son comunes a todos los seres humanos y están presentes en todas las culturas. Los ensos representan para mí, con su inmensa sencillez —mayor aún que un haikú— la imperfecta perfección del momento presente". (José María Yturralde)
Más información: IVAM
OGR - Officine Grandi Riparazioni, Turín
Comisariada por Jessica Stockholder
La exposición incluye obras de dos importantes colecciones internacionales: la Colección de Arte Contemporáneo "la Caixa" (Barcelona) y la Fondazione per l'Arte Moderna e Contemporanea CRT (Turín), cuyas obras están en depósito permanente en la GAM - Galleria d'arte Moderna y el Castello di Rivoli - Museo d'arte contemporanea de Turín. Las obras se han enriquecido con la original interpretación de Stockholder, que establece conexiones creativas entre las piezas de ambas colecciones.
La exposición invita a los visitantes a perderse en un mundo de formas de colores, empezando por el tema de la pintura, que se encuentra en el núcleo de ambas colecciones y a la vez es una de las manifestaciones artísticas más populares, para redefinir los límites del género y desarrollar un nuevo diálogo entre las formas y fantasmagorías de la pintura y las nuevas claves que proporcionan para interpretar el mundo actual.
Más información: OGR Torino
Imagen: Andrea Rossetti. Cortesía OGR Torino
Francesco Clemente. Miele, Argento, Sangue, 1986. Fresco. 300 x 600 cm. Colección "la Caixa"
Albertina Modern, Viena
Esta muestra supone la primera revisión de la profundidad histórica y la amplitud geográfica de la Essl Collection que se presenta en la capital austriaca, abarcando desde la producción norteamericana a las creaciones chinas - con 110 obras maestras creadas entre 1960 y la actualidad por artistas de la talla de Georg Baselitz, Alex Katz, David Salle, Antoni Tàpies.
La exposición pone en diálogo a los artistas austriacos más influyentes e importantes con las posiciones artísticas internacionales fundamentales del momento actual y sus principales defensores. La selección de pinturas, esculturas, objetos, instalaciones y vídeos proporciona a la vez una impresión de la gran diversidad de medios presentes en la Essl Collection.
Más información: Albertina Modern
Nelson Fine Arts Center, Arizona State University
Point Cloud (ASU) en una nueva instalación específica de Leo Villareal para el Nelson Fine Arts Center en la Arizona State University. La obra es parte de la ASU Art Museum's Halle Public Art Initiative y se ha producido en colaboración con el Los Angeles County Art Museum (LACMA).
Es la primera vez que Villareal ha utilizado datos tomados de una localización como parte de una obra. La impresionante arquitectura de 1987 de Antoine Predock le inspiró enormemente tras su paso por la ASU y ha empleado un escáner móvil tridimensional para escanear tanto el interior como el exterior del edificio. Point Cloud (ASU) es una escultura de luz que consiste en un pantalla monolítica de LED por ambas caras, está instalada en el eje principal del edificio y ofrece a los visitantes un lugar cubierto como un anfiteatro en el que reunirse y contemplar la obra.
Más información: Villareal.net
Auditorio y Palacio de Congresos, Castellón de la Plana
Comisariada por Ignacio Tomás
Santiago Ydáñez participa como artista invitado en la VII edición de MARTE, la Feria de Arte Contemporáneo de Castellón. Ydáñez forma parte del programa de este año con una exposición individual, un proyecto incluido en Curated Space 2020, donde uno de los directores de la feria - Nacho Tomás Gil - presenta una selección de artistas provenientes de diferentes galerías, instituciones culturales y centros de arte. En esta sección, las galerías participantes son invitadas a mostrar proyectos artísticos individuales con los que profundizar en el universo creativo de sus artistas destacados.
La imagen que acompaña esta noticia, uno de los característicos objetos encontrados e intervenidos por Ydáñez, ha sido escogida anunciar esta nueva edición de la feria.
Más información: Feria MARTE
José María Yturralde (Cuenca, 1942) ha sido reconocido por el jurado del Premio Nacional de Artes Plásticas por su “trayectoria con un alto nivel de experimentalidad que ha conectado arte y ciencia, y en la que destaca su labor de investigación espacial y formal y su tarea docente en el campo de la investigación de los parámetros matemáticos, junto a los artísticos”.
El jurado de este premio concedido por el Ministerio de Cultura y Deporte presidido este año por María Dolores Jiménez - Blanco (directora general de Bellas Artes) y con Carmen Giménez (subdirectora general de Museos Estatales) como vicepresidenta ha estado formado por la artista Àngels Ribé, el responsable de programación del CEART Fuenlabrada Juan Carlos Moya, el director de la Fundación Juan March Manuel Fontán del Junco, el director del Consorcio de Museos de la Comunidad Valenciana José Luis Pérez Pont, el director del CAAM de Las Palmas Orlando Britto, la subdirectora general de Registros y Documentación del Patrimonio Histórico Begoña Torres y la comisaria Susana Blas.
Fosun Foundation Shanghai
La primera exposición a escala museística del artista norteamericano Alex Katz en China presenta más de treinta obras, incluyendo algunas de sus últimas pinturas y esculturas cut-out en las que ha estado trabajando en los últimos años. También cuenta con esculturas minimalistas de bailarinas realizadas en acero, situadas delante del museo y distribuidas por las diferentes salas de exposición.
Más información: Fosun Foundation Shanghai
Casa de México en España, Madrid
Esta exposición colectiva evidencia el encuentro entre el arte contemporáneo y el arte popular en México a través de obras cuyas técnicas, temas y materiales nos recuerdan las fuertes tradiciones artesanales y la dominante presencia de un imaginario prehispánico en este país.
Desde comienzos del siglo XX y hasta la actualidad, las artes mexicanas se vincularon con su profusa tradición artesana, sus creaciones indígenas y su pasado histórico, lo que define una estética y un canon del arte basados en estas relaciones entre lo popular, lo artesanal y la historia de México.
Más información: Casa de México
CaixaForum, Barcelona
Comisariada por Florian Ebner
El medio fotográfico ha inmortalizado la ciudad moderna a lo largo del siglo XX en un sinfín de narraciones visuales que parten de la calle como un escenario social, un campo de batalla político o un patio de recreo.
Esta exposición trata sobre la cámara y la ciudad, a partir del trabajo de fotógrafos y cineastas que han diseccionado la metrópoli y que plantean distintos escenarios de la vida urbana.
Más información: CaixaForum
Ecos es un nuevo proyecto de Fundación Banco Santander cuyo objetivo es revisar la Colección Banco Santander a través de nuevas miradas y acercar la creación contemporánea a un público no especializado.
En esta primera edición, los comisarios Nacho Ruiz y Carolina Parra han elegido a seis reconocidos creadores españoles para exponer sus obras en la Sala de Arte Santander, buscando referentes entre éstas y las de la colección artística del Banco.
Los artistas invitados han sido Irma Álvarez-Laviada, Mira Bernabéu, José Medina Galeote, Sonia Navarro, Fernando Renes y Santiago Ydáñez.
Más información: Fundación Banco Santander
Museu Fundación Juan March, Palma de Mallorca
La obra de José María Yturralde Estructura volante. Homenaje a Velázquez de 1977 forma parte de la Colección Fundación Juan March desde el pasado mes de octubre. La estructura de grandes dimensiones, realizada con madera de bálsamo y papel barnizado, ha sido instalada en la escalera del Museu Fundación Juan March de Palma de Mallorca, donde flota ingrávida acompañada por esculturas de Jorge Oteiza y Eduardo Chillida.
Imagen: Xisco Bonnín. Cortesía Fundación Juan March, Madrid.
Musée des Abattoirs – FRAC Occitanie, Toulouse
Desde abril de 2019, Rose Béton invita a los artistas a hacer de Toulouse una galería al aire libre, una ciudad más internacional y colorida que nunca. Tres artistas de la escena internacional se trasladan al Musée des Abattoirs para uno de los eventos más destacados de la bienal.
En resonancia con la exposición de Peter Saul Pop, Funk, Bad Painting and More, Les Abattoirs acogerá la obra de los artistas Tania Mouraud, Todd James y Cleon Peterson.
Más información: Rose Béton
Imagen: Benjamin Roudet
NGV National Gallery of Victoria, Melbourne
KAWS: Companionship in the Age of Loneliness supone una importante contribución a la creciente reputación internacional de este artista contemporáneo. La exposición presenta a la audiencia un completo abanico de la producción artística de KAWS, incluyendo una escultura monumental recién encargada (su mayor escultura de bronce hasta la fecha), pinturas en las que reelabora figuras de la cultura pop y una impresionante colección de esculturas de escala humana.
Más información: NGV
CEART - Centro de Arte Tomás y Valiente, Fuenlabrada (Madrid)
Comisariada por Alfonso de la Torre
Esta propuesta expositiva contempla el encuentro del público con la complejidad de la obra de este creador fundamental en el arte de nuestro tiempo, generador de un conjunto de propuestas artísticas de extraordinaria complejidad donde pintura, escultura, fotografía, formas visuales, en definitiva una cierta intervención en el espacio, son elementos esenciales.
La exposición mostrará, a través de ciertos puntos capitales que se establecerán a modo de hitos, un recorrido cronológico por su obra, partiendo de sus pinturas de mediados los sesenta, crecidas en la proximidad del Museo de Arte Abstracto de Cuenca, y concentradas en torno a movimientos europeos como el mínimal o ZERO, celebrándose, de este modo, más de cincuenta años de trayectoria artística de Yturralde en los márgenes de los discursos artísticos convencionales.
Más información: CEART Fuenlabrada
SFMOMA - San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco (California)
Está presentación reúne fotografías y un vídeo inmersivo en una instalación que explora el trabajo del arquitecto egipcio Hassan Fathy. En una búsqueda de modelos que pudieran abordar la urgencia de problemas actuales como la vivienda, la pobreza, la sostenibilidad medioambiental, Collins (Reino Unido, 1956) reconsidera los experimentos utópicos de Fathy de mediados del siglo veinte en torno a una arquitectura sostenible en una comunidad rural con la construcción de New Gourna y New Baris en Egipto. Su instalación enfatiza las conexiones visuales y filosóficas entre las estructuras del antiguo Egipto y los vanguardistas diseños de Fathy, fundamentados históricamente, y nos llevan a meditar sobre el pasado así como a considerar nuevas soluciones para el futuro.
Más información: SFMOMA
Kunsthalle Tübingen, Tübingen (Alemania)
En tiempos de cambio a menudo surge un deseo de preservar y recordar nuestras propias raíces. Correspondingly, there is a boom in things historical currently. In advertising, fashion and film today, the Old is being positioned as the Authentic, as opposed to a unified mass-produced culture, and is frequently being idealized with a strong touch of nostalgia.
In contemporary art too, the art of past centuries is experiencing a veritable comeback. While in the 1980s, under the heading Appropriation Art, the art of modernism and above all the 20th century was being cited by artists, for some years now we have been witnessing an increased orientation around Old Masters painting and traditional techniques. A younger generation is turning to the art of past epochs and, as carriers of cultural memory updating the “mnemic energies” (Aby Warburg) stored in the masterpieces for today.
More information at: Kunsthalle Tübingen
Fundación Antoni Tàpies, Barcelona
El proyecto que Collins presenta en la Fundació Antoni Tàpies pone el foco en la figura del arquitecto egipcio Hassan Fathy (1900 - 1989). En estas fotografías, ya sea montadas en una secuencia y proyectadas como un film, ya sea presentadas en grandes formatos, Fathy emerge como el espectro de un legado moderno vernáculo olvidado. Los restos de grandes proyectos concebidos en el siglo xx, como el realizado en Nueva Gourna (1945 - 1947) o el de Nueva Baris (1965 - 1967), son el objeto de una mirada que busca fórmulas de futuro.
Más información: Fundación Tàpies
MASS MoCA, North Adams, Massachusetts
Comisariada por Denise Markonish
Allison Schulnik estrena su nuevo filme Moth como parte de esta exposición que explora las políticas de representación y las maneras en las que los artistas utilizan el cuerpo para tratar de agarrar y recrear el “aura de lo real" en una época de incertidumbre, pues lo real en el siglo XXI es un concepto cada vez más complejo.
Los artistas cuyas obras conforman Suffering From Realness examinan la condición humana desde todas las perspectivas, creando trabajos con diferentes técnicas que son a la vez personales y universales, abordando el racismo, la violencia, la igualdad de género, el cuerpo politizado en tiempos de guerra, el cuerpo inquieto, la complejidad de la responsabilidad, el futuro.
Más información: MASS MoCA
Museum Brandhorst, Munich
Comisariada por Jacob Proctor
La exposición se centra en la amplia colección de obras del artista que posee el museo —incluyendo obras maestras de su dilatada carrera— acompañadas de piezas clave de otras colecciones públicas y privadas, lo que proporciona una extensa visión sobre la prolífica producción de este pintor de 91 años de edad. La muestra reúne en torno a noventa obras - entre las que se encuentran algunas de las pinturas más importantes del artista - y ofrecerá a los visitantes un resumen retrospectivo de la obra de este artista seminal desde los años 50 hasta hoy.
Más información: Museum Brandhorst
The Brant Foundation Art Study Center, Greenwich (Connecticut)
La exposición reúne una concisa y completa selección abarcando 40 años del trabajo del artista incluyendo autorretratos, retratos, obras sobre papel, frescos, óleos monumentales y acuarelas, además de una de sus destacadas tiendas pintada a mano. Realizadas en Roma, Nueva York, Taos, Varanasi, Jodhpur, Orissa, Pondicherry y Madrás, las obras han viajado extensamente y se han dispersado entre colecciones de museos y mecenas. Se han reunido para la ocasión, cada una con su historia que contar. Sin un sentido cronológico, la muestra entreteje hilos que han sido una constante en su amplia trayectoria y presenta ideas y preguntas que perduran a través de las distintas transformaciones de medio.
Más información: The Brant Foundation Art Study Center
TERRADA Art Complex 4F. 1-33-10 Higashi Shinagawa. Shinagawa - ku, Tokio 140-002, Japón
Comisariada por Jimena López
La Galería Javier López & Fer Francés se complace en presentar la primera exposición en Tokio de dos reconocidos artistas contemporáneos: Alex Katz y Francesco Clemente. En esta ocasión especial, se mostrará una cuidada selección de pinturas únicas, centradas en géneros que les han valido su prestigio internacional. En esta selección especial se han incluido paisajes y retratos de Alex Katz junto con acuarelas sobre papel de Francesco Clemente de principios de los años noventa.
FRAC Centre - Val de Loire, Orléans
Comisarios: Mónica García Martinez y Abdelkader Damani
En otoño de 2018, el FRAC Centre - Val de Loire inaugura la primera exposición dedicada en Francia a la escena experimental española de los años 1960 - 1980.
En 1968 hace su aparición el primer ordenador en la universidad española, marcando el comienzo de las actividades del Centro de Cálculo. Después de décadas de aislamiento cultural, artistas, arquitectos y músicos emprenden ese momento una reflexión en torno a la utilización del ordenador en sus procesos creativos. El Centro de Cálculo se convierte en el espacio de libertad creativa más significativo del fin de la dictadura afirmándose como una estructura de experimentación colectiva, en un contexto donde la colectividad "tenía un significado particular, casi subversivo".
Más información: FRAC Centre
Lever House Art Collection, Nueva York
Comisaria: Roya Sachs
Lever House Art Collection presenta New York, New York, un proyecto específico del artista neoyorquino Peter Halley (1953). La instalación a gran escala abarca el hall de la planta baja de la Lever House además de la espectacular franja de ventanas que rodea el edificio en el segundo piso. La exposición incluye seis pinturas sobre lienzo de gran formato además de una secuencia de obras murales generadas digitalmente y ocultas en una aparentemente impenetrable estructura central en forma de bloque.
Más información: Lever House Art Collection
Centro de Arte Rafael Botí - Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí, Córdoba
El pintor sevillano Manuel León, que ganó hace dos años el premio Bienal de Pintura Rafael Botí como reconocimiento a su trayectoria y la inserción de su obra en el discurso de la pintura contemporánea, vuelve a la Fundación Botí con una exposición llena de color. La exposición cuenta con 34 obras entre lienzos y acuarelas y también con el vídeo de la acción-concierto La costilla de Rocío, con la cantaora Rocío Márquez y el trabajo de iluminación de Manuel León con Benito Jiménez (integrante de Los Voluble), además de obras procedentes de sus anteriores grandes exposiciones en Málaga y Madrid.
Más información: Fundación Rafael Botí
Pasquart Kunsthaus, Biel / Bienne
Comisariada por Shanay Shaveri
La representación del Raga, la estructura melódica básica de la música india, es el motivo central de los Ragamalas del s. XVII. Los Ragas consisten en una selección de cinco a siete notas, un espacio abierto a la improvisación que contiene una nota principal sobre la que el cantante vuelve una y otra vez. Siguiendo esta tradición, los artistas que trabajan con dibujo, performance o animación, expresan las características de la música india, haciendo posible de esta manera experimentar la conexión entre música y arte contemporáneo. El ritmo en la imagen y el sonido dan lugar a lenguajes visuales figurativos y abstractos. Obras con los más diversos orígenes temporales y geográficos entran en un diálogo que se refuerza mutuamente.
Más información: Pasquart
Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilla
El artista belga Jan Fabre (1958) es una de las figuras más innovadoras e importantes de la escena artística contemporánea internacional. Como artista, dramaturgo y autor, ha creado un mundo extremadamente característico e inconfundible. Esta exposición ofrece una perspectiva de los 40 últimos años de la producción de Fabre en el campo de las performances con maquetas de estudio, dibujos, elementos de vestuario, fotografías, películas, grabaciones de vídeo o material de archivo.
Más información: CAAC
Fundación Juan March, Madrid
Comisariada por Manuel Fontán, Inés Vallejo, Matilde Arias, Pilar Cabañas, María Jesús Ferro
La muestra se centra fundamentalmente en el marco cronológico existente entre la generación abstracta española de los años cincuenta y la obra de los artistas nacidos en torno a mediados de los años sesenta, momento en el que se crea el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, pero hay ejemplos de influencia anteriores.
La exposición presenta a más de sesenta artistas que han desarrollado su trayectoria artística en España y cuya obra está vinculada, en mayor o menor medida, con Asia Oriental e India. Asimismo, junto a la pintura, la escultura, la obra gráfica y el dibujo, da cabida a la instalación, la fotografía, los nuevos comportamientos artísticos y el arte conceptual. Las más de trescientas piezas asiáticas y occidentales se presentan de manera conjunta, como dos mundos que comparten el espacio y el tiempo de la exposición.
Más información: Fundación Juan March
CAC Málaga - Centro de Arte Contemporáneo, Málaga
Comisariada por Fernando Francés
La colección permanente del CAC Málaga expone la faceta más cercana del arte con Neighbours IV. Artistas emergentes de proximidad, junto con nombres relevantes de la escena contemporánea actual, expondrán sus trabajos en esta apuesta renovada por el arte más cercano. Compromiso que desde la inauguración del centro en 2003 se ha mantenido y fortalecido a lo largo de estos quince años con la organización de exposiciones individuales y colectivas.
Manuel León muestra caras de angustia ante una Venus cotidiana en Vuelven los problemas del siglo pasado (2016), como una reformulación de la iconografía del tema bíblico de Susana y los viejos.
Más información: CAC Málaga
Drawing Room, Londres
Comisariada por Shanay Jhaveri
Esta exposición explora cómo la música clásica india ha inspirado a artistas modernos y contemporáneos, rastreando una larga historia desde las antiguas miniaturas (Ragamalas) hasta dibujos, animaciones y videos actuales. Incluye obras de artistas indios y pakistaníes fundamentales, muestra algunas piezas nunca vistas antes en Reino Unido, presenta obras encargadas para la ocasión, explora la influencia de la música clásica india en destacados artistas norteamericanos y una influencia más amplia en la cultura popular occidental y la contracultura.
Imagen cortesía de Drawing Room, 2017. Fotógrafo Damien Griffiths.
Más información: Drawing Room
Marcher dans le rêve d'un autre / Caminar en el sueño de otro
Comisariada por Abdelkader Damani y Luca Galofaro
La primera Bienal de Arquitectura de Orléans es una "bienal de colecciones" construida como una confluencia de memorias: las de las obras de la colección y las de los arquitectos y artistas invitados. La idea es interrogarles sobre las maneras en las que deambulan por nuestros sueños y miedos para regresar y narrarnos nuestra historia.
Se rinde homenaje a la escena arquitectónica experimental española desde la década de los sesenta hasta la joven generación actual en la calle Juana de Arco de Orléans. Veintidós banderas diseñadas para la ocasión se han instalado en un enclave donde la ciudad celebra sus conocidos festivales - el Festival del Loire y el Festival Juana de Arco - con sus tradicionales banderolas decorativas. Con este gesto, la bienal tiene lugar no sólo en el espacio público de la ciudad sino también integrada en sus tradiciones y costumbres.
Más información: Biennale d'Architecture d'Orléans #1
Leopold Museum, Viena. Organizada por Angelos bvba e ImPulsTanz - Vienna International Dance Festival. Curated by Germano Celant
STIGMATA es un viaje en la memoria de uno de los mayores artistas contemporáneos a través de dibujos, fotografías, esculturas, vestuario, textos, archivos documentales, modelos-estudios – a los que Fabre se refiere como “Modelos de pensamiento” – y documentación fílmica de sus acciones poéticas y performances, desde la segunda mitad de la década de 1970 hasta el presente. Los visitantes serán acogidos por un laberinto de mesas que presentan las filosofías del artista. Esta herramienta sirve para comprender sus ideas, sus recuerdos, su arte, profundamente inspirados por las tradiciones de la pintura flamenca y centradas en el estudio y uso del cuerpo.
Más información: Leopold Museum
Imagen: Tea-hangover © Angelos bvba | Fotografía: Marc Gubbels.
Abbazia di San Gregorio, Venecia
Comisariada por Giacinto Di Pietrantonio, Katerina Koskina & Dimitri Ozerkov
Jan Fabre siente fascinación por la alquimia y la memoria de los materiales. Con este conjunto de obras, el artista hace referencia tanto a los pintores flamencos que empleaban hueso pulverizado en sus pigmentos como a los sopladores de vidrio venecianos. Fabre elige deliberadamente dos materiales duros que son fuertes pero delicados y frágiles al mismo tiempo, protectores y funcionales.
Como evento colateral de la 57 Bienal de Venecia, esta exposición rastrea la producción de Jan Fabre desde sus comienzos, provocando una reflexión filosófica, espiritual y política sobre la vida y la muerte centrada en la noción crucial de la metamorfosis, presentando obras en vidrio y hueso producidas entre 1977 y 2017, reunidas por primera vez.
Más información: janfabre.be
Imagen: Untitled (Bone Ear), 1988. © Angelos bvba. Fotografía: Pat Verbruggen.
Palazzo Franchetti, Venecia. Organiza: Fondazione Berengo
Comisariada por Dimitri Ozerkov, Herwig Kempinger & Adriano Berengo
De regreso a Venecia por la edición 57 de la Bienal, Glasstressreúne 33 destacados artistas contemporáneos de Europa, Estados Unidos, Oriente Medio y China en una ambiciosa exposición que explora las infinitas posibilidades creativas del vidrio. Desde sus inicios como evento colateral de la Bienal de Venecia en 2009,Glasstress ha recuperado el oficio tradicional del soplado de vidrio de Murano forjando nuevas alianzas con reconocidos artistas y diseñadores y desde entonces se ha convertido en una plataforma incomparable que muestra innovadoras obras en vidrio.
Más información: Glasstress
Imagen: Holy Dung Beetle with Laurel Tree, 2017. Cortesía del artista y Berengo Studio. Fotografía: Francesco Allegretto.
Yuz Museum, West Bund Shanghai
Ésta no es sólo la mayor exposición de KAWS en China, sino también la primera muestra retrospectiva en Asia. Presentará pinturas, esculturas, dibujos, muñecos e intervenciones publicitarias claves para examinar en profundidad su prolífica carrera, revelando aspectos críticos de sus desarrollos formales, conceptuales y colaborativos de los últimos veinte años.
Abarcando los mundos del graffiti, el Arte Pop y la cultura de consumo, los distintos cuerpos de trabajo de KAWS están altamente cargados, cada uno expresando su humor subyacente, irreverencia y la afección de nuestro tiempo, así como su agilidad como artista. Conocido por sus esculturas de gran tamaño y características pinturas que enfatizan línea y color, su elenco de personajes híbridos entre humanos y de dibujo animado, con semejanzas con figuras de series populares y logos, quizá sean el mejor ejemplo de su exploración de lo humano.
Más información: Yuz Museum
Fundación María Forcada. Casa del Almirante, Tudela
Esta exposición está compuesta por artistas de primera fila de ámbito nacional y local, siendo testimonio vivo de toda la trayectoria expositiva de esta Entidad y de la realidad de las artes plásticas en Navarra en aquellos años.
La selección de obras de la presente exposición pretende ser un reflejo del proyecto expositivo que desarrollaron la Caja Municipal de Pamplona y la Caja de Ahorros de Navarra en los años 70, teniendo como marco la década anterior y posterior, esto es, los años 60 y 80. La exposición propone un diálogo de formas entre artistas nacionales y de la tierra, entre pintura tradicional y de vanguardia, entre lenguajes figurativos y abstractos, entre “manifestaciones experimentales y populares”, en definitiva, un diálogo marcado por afinidades y contrastes que tuvieron su encuentro en sus salas expositivas y que contribuyeron a dinamizar y enriquecer el panorama artístico de Navarra.
Una importante itinerancia que Fundación Caja Navarra ha querido que comience su andadura en Tudela y que posteriormente pasará por Pamplona (Museo de Navarra), Estella (Museo Gustavo de Maeztu) y Elizondo (Casa de Cultura).
Tampa Museum of Art, Tampa (Florida)
El Museo de Arte de Tampa presenta un estudio sobre las obras en blanco y negro del legendario artista de reconocimiento internacional Alex Katz (Brooklyn, 1927). Esta exposición incluye retratos de la familia y los amigos, representaciones de los paisajes de Maine y efímeras naturalezas muertas con la firma de Katz. Los duros contrastes de luz y sombra, así como el énfasis en la línea y la forma, ilustran la belleza reduccionista de los paisajes y obras figurativas en blanco y negro de Katz. Una selección de obras en color ilustrarán la relación entre su vibrante paleta y la cualidad gráfica de sus grabados en blanco y negro.
Más información: Tampa Museum
MIAM - Musée International des Arts Modestes, Sète
Comisariada por Julie Crenn
Pensada como un retrato de Hervé Di Rosa, artista y director del MIAM, esta exposición reúne obras de artistas procedentes de un panteón personal, de sus contemporáneos, pero también las obras de artistas que persiguen, extienden y reactivan las artes modestas. Las obras crean vínculos entre el pasado y el presente, las culturas, las geografía, las formas y los lenguajes. La muestra se articula como un archipiélago, generoso y prolífico, en el que dialogan las artes modestas y el compromiso de un artista.
Más información: MIAM
El equipo liderado por el internacionalmente reconocido artista norteamericano Leo Villareal y los arquitectos y urbanistas británicos Lifschutz Davidson Sandilands gana el concurso Illuminated River International Design Competition concedido por la Illuminated River Foundation. Se trata de un encargo de escala sin precedente: un único esquema concebido para iluminar los puentes del río Támesis en el centro de Londres con una instalación lumínica permanente y gratuita. Este proyecto, seleccionado de entre los 105 equipos de 20 países a nivel mundial que competían, ha comenzado a desarrollar el concepto del diseño en colaboración con patrocinadores y contando con el asesoramiento del público para llevarlo a cabo en 2017.
Más información: Illuminated River
Centre Cultural La Nau - Sala Martínez Guerricabeitia, Valencia
Comisariada por Santiago Pastor
El proyecto expositivo se centra en su producción artística más reciente. A través de una selección de diez obras de gran formato se apela a la sensibilidad del espectador, conduciéndole a espacios de reflexión y emoción en los que prima lo sublime.
La muestra forma parte del conjunto de actividades conmemorativas del I Centenario del Colegio Mayor San Juan de Ribera de Burjassot, del que el artista fue colegial becario por oposición a lo largo de su etapa formativa universitaria.
Más información: La Nau
École supérieure des beaux-arts Tours Angers Le Mans - École du Mans, Le Mans
En 2016, después de importantes muestras en Alemania y Reino Unido (Sprengel Museum de Hannover, Camden Art Center de Londres y Baltic Center for Contemporary Art de Newcastle), Hannah Collins presenta su obra fotográfica en la Escuela superior de Bellas Artes TALM – Le Mans.
Más información: ESBA TALM
Corning Tower Plaza y Concourse Levels - Empire State Plaza, Albany (Nueva York)
La exposición Magnetic Shift incluirá una selección de pinturas y obras tridimensionales de Phil Frost, entre ellas algunas nunca antes exhibidas. Frost será el primer artista en tener una gran exposición individual junto con la colección de arte del gobernador Nelson A. Rockefeller en el Empire State Plaza, que este año celebra su 50 aniversario.
Más información: New York State Office of General Services
NSU Art Museum Fort Lauderdale
La exposición incluye una serie de nueve majestuosas pinturas de gran formato de Francesco Clemente (Nápoles, 1952 - vive y trabaja en Nueva York e India -). Realizada en Nueva York en 1998, la serie Dormiveglia toma su título de la expresión italiana que connota un estado entre el sueño y la vigilia y captura el estado en el que la realidad se cuela en el reino de los sueños.
Cada lienzo está pintado con una paleta pastel y representa una diosa con ropas clásicas a modo de estatua que oscila entre la tierra y el mar, la antigüedad y la modernidad, lo sublime y lo grotesco. Como en los sueños, estos fantasmas parecen resueltos a comunicar conocimiento y emoción humanos a través de símbolos y su pantomima de gestos crípticos. Una selección de sus acuarelas y obras sobre papel acompaña los lienzos completando la serie Dormiveglia.
Más información: NSU Art Museum
The Modern Art Museum of Fort Worth, Texas
Comisariada por Andrea Karnes
Esta gran exposición del artista norteamericano afincado en Brooklyn KAWS (1974) mostrará pinturas, esculturas, dibujos, muñecos e intervenciones de arte urbano para examinar en profundidad su prolífica carrera, revelando aspectos críticos en sus desarrollos formales, conceptuales y colaborativos de las dos últimas décadas. Esta presentación itinerará al Yuz Museum de Shanghai en China (marzo - agosto de 2017).
Más información: The Modern
CAC Málaga - Centro de Arte Contemporáneo, Málaga
Comisariada por Fernando Francés
El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta la primera exposición de David Salle en un museo en España tras más de quince años. En Inspired by True-Life Events, título de la exposición comisariada por Fernando Francés, el artista norteamericano presenta 32 pinturas realizadas desde 1992 hasta la actualidad. Sus lienzos, conjugan fórmulas tomadas de diversos campos expresivos con temáticas escenográficas de fuerte impacto emocional. Sus grandes formatos, incluyen una variedad de imágenes que mezclan cultura, palabras y objetos con elementos provocativos.
Más información: CAC Málaga
CCCB - Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona
Comisariada por Amador Vega
Esta exposición explora el impacto del filósofo Ramon Llull (1232-1316) en las artes, la literatura, la ciencia y la tecnología. La actualidad de esta figura controvertida, admirada y rechazada, adquiere un nuevo significado en el actual debate sobre los modelos de transmisión del saber. La exposición da a conocer aspectos sorprendentes y desconocidos de su pensamiento, y propone entender el ars combinatoria como un precedente de las nuevas tecnologías de la información.
Más información: CCCB
Santa Maria della Scala, Siena
Comisariada por Max Seidel y Carlotta Castellani
Con esta exposición, el artista napolitano rinde homenaje a Siena con la presentación de una decena de obras inéditas de gran formato en torno a dos ciclos distintos: la serie Fiori d'inverno, que le ha llevado cinco años, parte de la observación de las flores que se pueden encontrar en la metrópoli norteamericana durante los meses más fríos del año, mientras que la serie que gira entorno al gran lienzo del Albero della Vita resume el lenguaje de emblemas adoptado por Clemente desde sus comienzos.
Más información: Santa Maria della Scala
Fundación Mapfre, Madrid
Comisariada por Philip Larratt-Smith
Artista multidisciplinar, Hiroshi Sugimoto trabaja con la fotografía, la escultura, la arquitectura y la instalación. En el campo de la fotografía está considerado como uno de los más importantes autores de las últimas décadas, con obra en colecciones como las del Metropolitan Museum y el Museum of Modern Art de Nueva York, el Smithsonian de Washington o la National Gallery y la Tate Gallery de Londres.
Más información: Fundación Mapfre
Museo de Arte de la Diputación - MAD Antequera, Málaga
Comisariada por Fernando Francés
Esta muestra, que reúne una selección de 16 obras de gran formato de quince creadores andaluces, propone una revisión del arte figurativo actual en diferentes formatos y estilos. En el espacio expositivo conviven artistas de generaciones y trayectorias diversas con el Sur como punto de encuentro. Junto a las pinturas de Santiago Ydáñez, Chema Cobo, Curro González, Abraham Lacalle, Simón Zabell o Miki Leal, Manuel León con su mirada única plantea una original interpretación del Barroco.
Más información: MAD Antequera
Serpentine Gallery, Londres
La exposición se centra en el paisaje, reuniendo el resultado extraordinariamente productivo de años recientes junto con excelentes obras de las dos últimas décadas. Las pinturas de paisaje de Katz ejemplifican su búsqueda permanente de capturar el presente en la pintura. Independientemente de su escala, Katz describe estas pinturas como 'ambientales' en el sentido de envolver al espectador. Definidas por las cualidades temporales de la luz, el momento del día y el cambio de las estaciones, estas pinturas responden y se relacionan con el contexto único de la Serpentine Gallery en los jardínes de Kensington. La exposición también incluye una serie de retratos recientes.
Más información: Serpentine Gallery
Schirn Kunsthalle, Frankfurt
Comisariada por Max Hollein
Halley ha desarrollado una instalación en varias partes usando como punto de partida las condiciones arquitectónicas y espaciales de la Rotonda y la Schirn Kunsthalle. En su pintura abstracta geométrica y sus instalaciones site-specific examina las estructuras espaciales así como comunicativas y organizativas que dominan nuestro día a día.
En la galería de la primera planta, Halley ha cubierto las paredes del suelo al techo con impresión digital de sus estudios dibujados por ordenador. En la segunda planta, ha escogido por el contrario presentar un montaje con sus cuadernos de apuntes de la década de 1980 sobre un fondo amarillo.
Más información: Schirn Ring
Calcografía Nacional - Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid
Comisariada por Rafael Doctor
Tras doscientos años de la publicación de la Tauromaquia de Goya, esta exposición, proyectada por Capital Animal, propone revisar la serie a través de nuevas interpretaciones acopladas a un sentir contemporáneo, que rechaza la continuidad de este tipo de festejos en el mudo actual. Junto a los grabados originales de Goya, se mostrarán obras de El Roto, Forges y Manuel León, entre otros.
Más información: RABASF
Fundación Chirivella Soriano, Valencia
Organizada por Banca March
La muestra acoge una selección de obras de Fernando Zóbel, Jordi Teixidor y José María Yturralde procedentes de diferentes colecciones, públicas y privadas, entre las que destacan las de la propia Fundación Chirivella Soriano y las del Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca. La selección incluye pintura, escultura, obra gráfica, cuadernos de viajes y apuntes y diversa documentación.
Los viajes – tanto vitales como artísticos – de los tres pintores protagonistas de esta muestra confluyeron en el encuentro de los jóvenes estudiantes Teixidor e Yturralde con Fernando Zóbel en la Cuenca de los años sesenta.
Más información: Fundación Chirivella Soriano
Yorkshire Sculpture Park, Wakefield
Primera exposición en un museo británico del renombrado artista norteamericano KAWS, cuya amplia gama de prácticas incluye pintura, escultura, diseño gráfico, juguetes y obra seriada. En la amplia Longside Gallery se presentan lienzos de gran formato, brillantes y gráficos, inmaculadamente ejecutados con pintura acrílica, junto con sobresalientes esculturas en fibra de vidrio y madera. El paisaje del Yorkshire Sculpture Park, moldeado por la historia, acoge una serie de esculturas monumentales e imponentes en el estilo distintivo de KAWS - nostálgicos personajes en el proceso de madurar -. Estas últimas obras podrán verse hasta diciembre de 2016.
Más información: YSP
Museu de Arte Contemporânea de Serralves, Oporto
Comisariada por Suzanne Cotter y Filipa Loureiro
Esta primera exposición en Portugal del influyente artista británico afincado en Nueva York Liam Gillick es resultado de una serie de visitas que ha realizado a la Fundación Serralves desde 2013. La subsiguiente muestra toma la forma de un proyecto anual que refleja su continuo compromiso con las cuestiones del proceso, la participación, la colectividad y la toma de decisiones, y su variado enfoque del lenguaje y del lenguaje espacial como una expresión de estas cuestiones.
Más información: Serralves
CAC Málaga - Centro de Arte Contemporáneo, Málaga
Comisariada por Fernando Francés
El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta la exposición Transfinito de José María Yturralde, en la que se presenta una selección de obras recientes entre las que se encuentra una decena de pinturas creadas expresamente para la ocasión. En estas composiciones cabe destacar el contraste lumínico y las transiciones cromáticas que le sirven para reflexionar en torno a ideas como el vacío o el universo. El artista vive y trabaja en Valencia.
Más información: CAC Málaga
CAC Málaga - Centro de Arte Contemporáneo, Málaga
Comisariada por Fernando Francés
El CAC Málaga presenta Neighbours II, una selección de trabajos que tienen a la ciudad de Málaga como referencia. La exposición incluye 66 obras de 26 artistas diferentes, se trata de trabajos pertenecientes a la primera década del siglo XXI hasta el pasado año, algunos de ellas adquiridas por el centro recientemente. Nombres conocidos, que ya han pasado con anterioridad por las salas del museo con proyectos individuales o en colectivas, comparten espacio con otros que por primera vez expondrán sus obras en el CAC Málaga.
Más información: CAC Málaga
Santa Barbara Museum of Art
Geometría del absurdo: pinturas recientes de Peter Halley presenta ocho icónicas pinturas producidas por el artista entre 2007 y 2015 en la que supone su primera exposición en un museo de la costa oeste de los Estados Unidos. El título de la muestra hace referencia a la abundancia de sistemas sociales "abiertos" que ocultan de forma absurda circuitos cerrados o, en el caso de la obra de Halley, celdas limitadas. Las obras seleccionadas para la exposición tienen en común una composición similar con dos celdas apiladas. Este motivo, que aparece en la pintura de Halley a partir del cambio de milenio, es examinado por primera vez en esta muestra.
Más información: Santa Barbara Museum of Art
NorthPark Center, Dallas - Texas
El NorthPark Center se complace en presentar una nueva exposición del destacado artista contemporáneo Leo Villareal. Nancy Nasher and David Haemisegger le han encargado Buckyball específicamente para el NorthPark Garden como instalación permanente. La obra inspirada en Buckminster Fuller combina conceptos de geometría y codificación con la escultura de luz. Mientras que la fachada reflectante de Diamond Sea (2007), salpicada de destellos de luz, evoca el sol capturado espontáneamente en las ondas del mar.
Más informaciónt: NorthPark Center
Guggenheim Bilbao, organizada por el High Museum of Art de Atlanta
Comisariada por Michael Rooks y Petra Joos
El paisaje es uno de los temas principales en la obra de Alex Katz, una de las voces más singulares del arte estadounidense. Esta exposición muestra las diferentes etapas en las que el artista ha cultivado este género, abarcando desde creaciones de los años ochenta hasta sus últimas pinturas de paisajes monumentales, realizadas en la actualidad. En ella se revela el virtuoso control que tiene Katz de los materiales, así como el poder y la claridad absoluta de su visión.
Más información: Guggenheim Bilbao
M – Museum Leuven, Bélgica
Comisariada por Eva Wittocx
Esta exposición individual reúne distintas series de pinturas y dibujos, una pintura mural site-specific a gran escala y cuatro vídeos, entre los que se incluye el más reciente Strange Magic (2014), Rio (2012), Beijing (2008) y 1972 (2008). Con motivo de la muestra, el museo ha publicado un nuevo libro sobre Sarah Morris, CAPITAL letters read better for Initials, con un ensayo de Frédéric Paul, comisario en el MNAM-CCI / Centre Georges Pompidou, que ofrece una visión de conjunto de su obra y de su posición como artista.
Más información: M-Museum Leuven
Metropolitan Museum of Art, Nueva York
Esta exposición reúne obras de Alex Katz (Brookly, 1927), uno de los artistas más aclamados de nuestra época. Estas ocho obras abarcan casi toda la carrera de Katz e incluyen dibujos, grabados y pinturas. Entre las obras hay dos 'cutouts', recurso artístico innovador que Katz inventó a finales de los cincuenta; un evocador paisaje urbano; varios retratos de Ada, su mujer y musa eterna, y retratos de celebridades de su círculo social y artístico.
Más informaciónt: Metropolitan Museum of Art
BALTIC Centre for Contemporary Art, Gateshead
La artista británica Hannah Collins es conocida por fotografías de gran formato sin marco e instalaciones que crean experiencias espaciales inmersivas y poéticas. Esta exposición, que abarca su carrera hasta la fecha, revela su capacidad para expresar aspectos psicológicos y emocionales del espacio cultural y la historia social. Un proyecto nuevo, The Fertile Forest (2013-15) trata sobre nuestro compromiso con la naturaleza a través de la relación de Collins con las tribus amazónicas Cofán e Inga, con las que convivió mientras realizaba este nuevo trabajo.
Esta exposición ha sido organizada en asociación con el Camden Arts Centre de Londres.
Más información: BALTIC Centre for Contemporary Art
The Mannequin of History. Art After Fabrications of Critique and Culture
Manifattura Tabacchi Modena, Módena
Comisariada por Richard Milazzo
El itinerario de la exposición incluye pintura, escultura, fotografía e instalación, con obras de 48 protagonistas de la escena artística internacional de las últimas décadas. Además de ser testimonio de un coleccionismo local que no es en absoluto provinciano, la muestra colectiva plantea temas que cuestionan la naturaleza misma del arte a través de obras representativas de diferentes estilos y movimientos contemporáneos: Conceptualismo, Apropiacionismo, Neo-Pop, Superkitsch, Arte Povera, Transvanguardia, Neo-Expresionismo, distintas formas de Realismo, YBA (Young British Artists), Escuela de Düsseldorf, Figuración, Abstracción e Hiperrealismo.
Más información: mata Modena
Colby Museum of Art, Waterville - Maine
La década de los cincuenta es testigo de los inicios del artista norteamericano Alex Katz (1927) y de su dominio de la pintura del natural, apropiándose de los formatos y escalas del Expresionismo Abstracto para la pintura figurativa, así como de su innovación con collages y figuras recortadas. Esta gran exposición presentará al público un conjunto de obras insuficientemente valorado dentro del contexto de los compromisos estéticos de esa década. Brand-New & Terrific: Alex Katz in the 1950s incluye sesenta y cinco pinturas, collages y figuras recortadas, muchas de ellas prestadas por el artista y por importantes colecciones tanto públicas como privadas.
Más información: Colby Museum of Art
Camden Arts Centre, Londres
Hannah Collins (1956, Londres) es conocida por sus fotografías de gran formato sin enmarcar que cubren paredes enteras, creando experiencias espaciales inmersivas. Sus instalaciones también comprenden vídeo y sonido. Ocupando todas las salas del Camden Arts Centre, esta exposición pone de manifiesto la capacidad de Collins para transmitir registros emocionales del espacio - a través de interiores, lugares de residencia temporal y nómada, sitios de significado político y también viajes por ámbitos de lo imaginativo o lo inconsciente -.
Más información: Camden Arts Centre
La carrera de Hannah Collins comenzó en Reino Unido y su reconocimiento institucional ha estado marcado por las exposiciones individuales en la Ikon Gallery (1988), el Institute of Contemporary Arts de Londres (1989), la Chisenhale Gallery (1996), la Cornerhouse Gallery de Manchester (1996), el Contemporary Art Centre de Glasgow (1996) y su nominación para el Premio Turner en 1993.
CAC Málaga - Centro de Arte Contemporáneo de Málaga
Comisariada por Fernando Francés
El CAC Málaga acoge la exposición Respect, una selección de cuatro obras de tres artistas de dos generaciones diferentes que sirve de puente entre las muestras de Shepard Fairey y D*Face. La exposición comisariada por Fernando Francés está constituida por dos pinturas de Peter Saul, considerado como uno de los padres del Pop Art americano, junto a dos pinturas de KAWS y Erik Parker en representación de artistas urbanos nacidos en torno a los años 70.
Más información: CAC Málaga
High Museum of Art - Atlanta, Georgia
This Is Now es una gran exposición con más de 60 obras creadas entre 1954 y 2013 por el artista reconocido a nivel internacional Alex Katz. La muestra analiza el desarrollo del paisaje en la trayectoria de Katz, desde sus inicios como un tema esencial en sus obras tempranas hasta su relevancia en el arte de Katz de los últimos 25 años.
Más información: High Museum
Alex Katz surgió en la década de los 50 como un pintor figurativo en una época de abstracción, desafiando a los críticos que evitaban las imágenes en el arte, especialmente la figura. Mientras Katz rechazaba el abandono de las imágenes por parte del Expresionismo Abstracto, adoptó su energia y lógica formal. Aunque es más conocido por sus retratos, desde los comienzos de su carrera ha pintado paisajes tanto al aire libre como en el interior de su estudio.
Katz describe su objetivo como el intento de captar en su obra las "cosas rápidas que pasan". Sus paisajes monumentales son ejecutados en lo que ahora se considera un estilo inconfundible caracterizado por superficies de color planas, un espacio pictórico poco profundo y un dibujo reduccionista pero intensamente descriptivo. En estas pinturas Katz busca expresar la apariencia de las cosas como son sentidas y percibidas en el presente, en el ahora.
MASS MoCA - Massachusetts Museum of Contemporary Art, North Adams
“Dicen que soy un artista nómada” ha apuntado secamente Francesco Clemente. En Encampment la experiencia transitoria de geografías cambiantes, diversos climas culturales y la misma percepción infuden su imaginería y su arte con una gama particularmente rica de referencias y significados. En las tres últimas décadas Clemente ha viajado a menudo, dividiendo su trabajo y su residencia entre Varanasi en India y Nueva York. Su investigación estética de los estados de flujo profundiza en la misma naturaleza del tránsito. “Creo en este movimiento de creación y disolución, regeneración y de nuevo desaparición - ésta es una técnica para que la mente se vuelva y permanezca despierta", aclara Clemente. El tránsito entre el placer carnal y los cambiantes estados espirituales, entre actos de creación y destrucción, entre lo visible y lo oculto se encuentra en el núcleo de Encampment.
Vídeo
Más información: MASS MoCA
Brooklyn Museum, Nueva York
Comisariada por Eugenie Tsai
ALONG THE WAY, la colosal escultura de madera de más de cinco metros realizada por KAWS, representa un par de figuras gigantes con las cabezas agachadas y un brazo cada una alrededor de la otra en un discreto abrazo. La escultura alude a los familiares juguetes de infancia y a personajes de dibujos animados al tiempo que transforman sus identidades a través de un radical cambio de escala, que las presenta como presencias culturales monumentales.
La exposición también incluye las pinturas GLASS SMILE (2012) y SHOULD I BE ATTACKING (2013).
Más información: Brooklyn Museum
Le Stanze del Vetro, Isola di San Giorgio Maggiore, Venecia
El Pabellón de Té de cristal Mondrian es un proyecto innovador que proporciona un espacio en el que experimentar la arquitectura, donde el pabellón en sí mismo se convierte en la exposición, un novedoso ejemplo en el que el artista sugiere libremente un tema y un proyecto que permite la experimentación con el escenario, las formas, las técnicas constructivas y los materiales más avanzados. El pabellón consta de dos elementos principales, un patio abierto al paisaje y un cubo de cristal. Un camino a lo largo del patio ajardinado lleva al visitante hasta el cubo de cristal pasando junto una lámina de agua. Esta gran piscina reflectante, hecha con mosaico de cristal en el centro del jardín, representa la otra característica a destacar en esta instalación, lleva al visitante hacia el área clave: el pabellón de té de cristal.
Más información: Le Stanze del Vetro
ArtZuid 2015. International Sculpture Route Amsterdam
Comisariada por Rudi Fuchs
KAWS participa en la bienal de escultura al aire libre de Ámsterdam ArtZuid con un proyecto compuesto por tres obras monumentales. Las piezas pertenecen a la serie Along the Way y han sido ubicadas en emplazamientos icónicos de la capital holandesa. La escultura principal se encuentra justo delante del prestigioso Rijksmuseum, mientras que las otras dos – At This Time y Better Knowing – se han instalado en la zona sur de la ciudad.
Más información: ArtZuid
Arterminal c/o Terminal San Basilio. Fondamenta Zattere Ponte di Legno, Venezia
Bienal de Venecia
En el marco de los eventos paralelos de la 56 edición de la Bienal de Venecia se inaugura la exposición The Bridges of Graffiti, con la participación de Todd James. Los artistas incluidos en la colectiva trabajan por primera vez juntos en un mural único que se presentará junto a obras site specific creadas para el evento.
Más información: The Bridges of Graffiti
Museo Correr, Venecia. Evento paralelo de la 56 Bienal de Venecia
Comisariada por Thomas Kellein
En colaboración con la Written Art Foundation de Frankfurt, la Fondazione Musei Civici di Venezia presenta una exposición de pinturas de la artista conceptual norteamericana Jenny Holzer. Para este evento paralelo de la 56 Bienal de Venecia se han seleccionado obras de una década de las pinturas de guerra de la artista, significativo punto de partida de las instalaciones de LEDs por las que Holzer es conocida. Estas obras parten de documentos del gobierno desclasificados y otros materiales relacionados con la guerra del terror a nivel mundial que siguió a los eventos del 11 de septiembre de 2001 y sobre las operaciones militares estadounidenses en Afganistán e Irak.
Más información: Museo Correr
Sprengel Museum Hannover
Hannah Collins es la novena ganadora del Premio Internacional de Fotografía "SPECTRUM" concedido por la Fundación de la Baja Sajonia. Este reconocimiento homenajea a una artista que sin duda ha expandido el espectro de la expresión fotográfica.
Hannah Collins, nacida en Londres en 1956, se dio a conocer en la década de 1980 por sus fotografías en blanco y negro de grandes formatos. En 1993 fue nominada al Premio Turner. Entre las instituciones que han mostrado su obra se incluyen el Centre Pompidou de París, el Museo de Arte de la Universidad Nacional de Colombia en Bogotá y el Walker Art Center de Minneapolis.
Más información: Sprengel Museum Hannover
Caracterizada por una poética melancolía, la obra de Hannah Collins ha sido clasificada como una de las más complejas e individuales de su género en el contexto histórico del siglo XX. Esta exposición presenta una selección de sus trabajos y se acompaña con la publicación de la primera monografía en alemán que aporta una completa introducción a su compleja obra fotográfica.
El Corte Inglés - Ámbito Cultural. Calle Preciados, Madrid
Este proyecto se enmarca dentro de las actividades que se celebran con motivo de la feria ARCOmadrid 2015 y presenta intervenciones artísticas de seis prestigiosos autores de arte contemporáneo pertenecientes a tres generaciones distintas. La abstracción, la monocromía y la indagación en torno al color son los elementos comunes en las propuestas de Rosa Brun, Mitsuo Miura, Nico Munuera, Ángeles San José, Jordi Teixidor y José María Yturralde.
Más información: Ámbito Cultural
En 2015 se cumplen once años desde que Ámbito Cultural de El Corte Inglés, dentro del proyecto AfterArco de la feria Arco de Madrid, iniciara un programa de intervenciones artísticas que cuenta con la colaboración del Ayuntamiento y la Comunidad de Madrid. Su origen está en procesos artísticos de los años sesenta realizados en los centros de Madrid y Barcelona, cuando los escaparates de El Corte Inglés de ambas ciudades se convirtieron en verdaderas obras de arte contemporáneo, acercándose así al gran público. En 1963 participaron Manrique, Miralles, Rueda, Sempere y Serrano y en 1965 Guinovart, Hernández Pijuan, Rafols Casamada, Subirachs, Tharrats y Todó. Ambas muestras se reeditaron en 2005 y 2014 respectivamente.
Museo Florence Griswold Museum. Old Lyme, Connecticut
Comisariada por Bejamin Colman
Sirviéndose de importantes pinturas de colecciones tanto públicas como privadas, esta muestra propone un repaso centrado en algunas de las obras más monumentales del artista abarcando desde la década de los ochenta hasta la actualidad. Desde que desarrolló su icónico estilo a principios de los 80, Halley ha trabajado a la vanguardia de un grupo de artista que ha revitalizado la abstracción norteamericana con un prisma crítico enfocado a la cultura contemporánea. La exposición de estas nueve pinturas monumentales resalta la evolución del audaz estilo de Halley y la sofistificación de sus ideas.
Más información: Florence Griswold Museum
Colección Mariano Yera. Maestros españoles de la segunda mitad del siglo XX
Centro del Carmen, Valencia
La Colección Yera, iniciada por Mariano Yera en 1999, recorre algo más de medio siglo de la historia pictórica española a través de unas 150 obras de 63 artistas diferentes, cuya calidad convierten a esta exposición en una cita imprescindible. Con esta exposición, que nació con la idea de viajar por las tres provincias valencianas, se busca trasmitir tanto el pensamiento de los artistas como el de una época de la historia de España a través de sus obras. Destaca además en la colección el número y calidad de artistas valencianos representados motivo que explica también que la primera muestra que organiza la familia Yera sea en esta comunidad. Organizada cronológicamente esta selección se centra principalmente desde la década de los 50 en el siglo XX hasta los 90 con piezas de Rivera, Saura, Millares, Feito, Tàpies, Sempere, Equipo Crónica, Yturralde, Lucio Muñoz, Josep Guinovart, Barceló, Guerrero, Miguel Ángel Campano, Pérez Villalta, Palazuelo y Gordillo.
Más información: Centro del Carmen de Valencia
IVAM - Centre Julio González, Valencia
Comisariada por: José Miguel G. Cortés y Álvaro de los Ángeles
Más de medio centenar de fotografías, dibujos, cuadros, esculturas, instalaciones y vídeos pertenecientes a la Colección del IVAM integran esta muestra, interpretan el tema desde diversos ángulos que transcurren como un relato arquetípico con planteamiento, nudo y desenlace a lo largo del espacio.
En este sentido, En tránsito se subdividirá en tres grandes apartados: Buceando entre los escombros, donde se planteará de manera literal el punto de partida de la exposición y, metafóricamente, la situación de inicio de esta nueva etapa. Mutaciones, que representará elementos de tránsito, actitudes propias de metamorfosis, el cambio que implica pasar de un estadio a otro. Cartografías / Identidades fluidas que actuará como final de este proceso transitorio donde predomina la presencia del cuerpo como espacio en proceso continuo y su vinculación metafórica con el paisaje y el territorio.
Más información: IVAM
CAC Málaga - Centro de Arte Contemporáneo de Málaga
Comisariada por Fernando Francés
El CAC Málaga presenta la primera exposición individual del artista sevillano Manuel León en un museo. Un mundo sin luz es el nombre de la exposición comisariada por Fernando Francés y consiste en 42 obras en las que aborda temas actuales desde un punto de vista crítico e irónico a la vez. Con influencias barrocas, las pinturas de Manuel León representan a penitentes con el rostro cubierto muy arraigados a la cultura popular, sobre todo en la Semana Santa. Estas figuras permiten al artista camuflar los sentimientos que actualmente se palpan en la sociedad, como son la crisis de valores, además de la económica. El artista quiere llamar la atención sobre los anhelos y miedos a los que cada individuo tiene que enfrentarse en la época actual. Manuel León vive y trabaja en Sevilla.
Más información en: CAC Málaga
CAC Málaga - Centro de Arte Contemporáneo de Málaga
Comisariada por Fernando Francés
El CAC Málaga presenta Neighbours II, una selección de trabajos que tienen a la ciudad de Málaga como referencia. La exposición incluye 66 obras de 26 artistas diferentes, se trata de trabajos pertenecientes a la primera década del siglo XXI hasta el pasado año, algunos de ellas adquiridas por el centro recientemente. Nombres conocidos, que ya han pasado con anterioridad por las salas del museo con proyectos individuales o en colectivas, comparten espacio con otros que por primera vez expondrán sus obras en el CAC Málaga.
Más información en: CAC Málaga
CAAM - Centro Atlántico de Arte Moderno, Las Palmas de Gran Canaria
Comisariada por Omar-Pascual Castillo
El CAAM presenta la exposición 'Cruce de colecciones', organizada con motivo de su 25º aniversario, que reúne más de un centenar de obras de 105 artistas de Europa, América y África, pertenecientes a la Colección CAAM y a los fondos de 16 centros públicos y privados de toda España. La exposición articula su discurso alrededor del concepto de la tricontinentalidad que ha marcado la identidad de esta institución cultural a lo largo de este último cuarto de siglo y le ha dado un carácter diferencial. Es un proyecto expositivo que plantea un diálogo transcultural a modo de metáfora de la actividad que se ha generado en el CAAM en estos años, como institución que opera desde un archipiélago del Atlántico, que pertenece a Europa y con estrechos vínculos con la cultura de Iberoamérica y del continente vecino de África.
Más información en: CAAM
Universidad de California - BAM Berkeley Art Museum / PFA Pacific Film Archive, Berkeley, California
Comisariada por Apsara DiQuinzio
Nacido en Santa Mónica, Zurier obtuvo su licenciatura y doctorado en Bellas Artes en la Universidad de California, en Berkeley. Para MATRIX 255, su primera exposición individual en un museo, Zurier debuta con un nuevo conjunto de pinturas y acuarelas inspiradas en Islandia, donde ha estado viajando, enseñando y pintando desde 2011. La abstracción de Zurier evoca el hielo, la niebla, el viento, el agua, la luz de los paisajes islandeses, al tiempo que pulsan estados más intemporales y contemplativos. En su paleta predominan los tonos azules pálidos, casi glaciales, desvelando la amplia gama de matices de este tono, ya que cada composición hace sonar un acorde delicado y único.
Más información en: BAM/PFA Berkeley
The Rubin Museum of Art, Nueva York
Comisariada por Beth Citron
La primera exposición en un museo dedicada a las influencias de India en la obra de Clemente reúne unas veinte piezas entre las que se incluyen pinturas de las últimas tres décadas y cuatro nuevas esculturas de grandes dimensiones creadas específicamente para la muestra, en la que se reflexiona sobre cómo sus trabajos se relacionan con las prácticas artísticas y tradiciones de las diversas regiones de India. En contraste con las prácticas del arte conceptual predominante en los años setenta, Clemente se centró en la representación, la narración y la figura y exploró los materiales artesanales y los modos de producción tradicional.
Más información en: The Rubin Museum of Art
Desde su primer viaje a India en la década de 1970, Francesco Clemente se sumergió en la riqueza cultural del país así como en la vida cotidiana y las prácticas artísticas locales. Transformando símbolos, mitos e ideas ancestrales, ha creado un personal lenguaje visual lleno de paisajes, animales y personajes oníricos extraídos de los recuerdos de sus viajes. En su obra podemos encontrar temas sexuales, mitológicos y espirituales, junto con imaginarias narrativas de violencia, intriga, fragmentación, amor, separación y celos.
MACA Museo de Arte Contemporáneo de Alicante
Comisariada por Felipe Garín bajo la producción del Consorcio de Museos de la Generalitat Valenciana, la exposición muestra una selección de 17 obras de algunos de los artistas más relevantes de la segunda mitad del siglo XX en la colección Yera, una de las colecciones privadas de arte contemporáneo más importantes de nuestro país. El el origen de la colección se remonta a 1999, cuando Mariano Yera junto a Javier Lacruz, comenzó a coleccionar pintura española de la segunda mitad del siglo XX bajo el nombre de Colección De Pictura, pasando a denominarse, a partir de 2013, Colección Mariano Yera.
La Galería Javier López en la Finca Cortesin presenta un proyecto específico titulado “Strange Days” de Todd James (Nueva York, 1969). Tras el éxito de su última exposición en el espacio principal de la galería en Madrid, James presenta su obra en el sur de España con una combinación entre su obra antigua sobre papel y sus lienzos más actuales.
Las obras que forman parte de esta exposición son una selección de sus últimos trabajos, los cuales se caracterizan por el uso iconográfico de simbología recurrente de la cultura occidental y de los mass media. El artista desde la crítica y la sátira visual, reproduce a una serie de personajes ya asentados en su obra; chicas sensuales y ridiculizadas, bandidos islámicos de África Oriental que toman el sol en paraísos de color pastel, maquinaria bélica sonriente y gozosa… Las situaciones que representan están profundamente conectadas con las imágenes más relacionadas con la cultura televisiva actual.
A través del gouache y el grafito en su obra sobre papel y acrílico en los lienzos, las obras de Todd James rompen la distancia entre el espectador y lo que probablemente ve a su alrededor, tratando de evadirse y alejarse del estado actual de las cosas, evitando contaminarse de la realidad más cruel. Con el uso de colores vivos y agresivos muy presentes en su trayectoria como artista, Todd James enfatiza y ridiculiza hasta sus últimas consecuencias la realidad de carácter occidental en la que vivimos; como si se tratase de un cómic de terror, describe un mundo moderno pero a su vez, lleno de compasión para los que viven y sufren en él.
Todd James además de artista es ilustrador de publicaciones y creador de series de animación para el canal Cartoon Network, es el co-autor del libro “Mascot and Mugs: The Characters of Subway Graffiti” (2007); su última colaboración con el mundo de la música ha sido el diseño del vestuario para una de las actuaciones de la gala MTV Video Music Awards.
Todd James vive y trabaja en Nueva York, ha expuesto en algunas de las galerías e instituciones más relevantes de su genero alrededor del mundo, no sólo en Nueva York, Londres o Copenhague, sino también en Tokio, Bruselas, Sidney, Melbourne y París entre otros. Además, su obra ha formado parte de exposiciones colectivas en instituciones muy prestigiosas como el ICA (Institute of Contemporary Art) de Filadelfia, el Tate Museum de Liverpool o el ARoS Museum en Dinamarca. Una de sus participaciones más recientes en una muestra museística ha sido la instalación conjunta para “Art in the Streets” en el MoCA de Los Ángeles, su trabajo fue una aportación fundamental para esta exposición.
CAC Málaga
El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta la primera exposición individual en un museo de España de KAWS. Este artista transforma iconos de la cultura popular, añadiendo elementos característicos de su obra, como son las equis en lugar de ojos. KAWS es pintor, escultor, diseñador y colabora con reconocidas firmas y marcas internacionales. Estudió Bellas Artes en la School of Visual Arts de Nueva York. En la actualidad vive y trabaja en Brooklyn.
Más información en: CAC Málaga
Musée d'art moderne Saint - Étienne Métropole
Las pinturas de Peter Halley, artista nacido en 1953, se inspiran en espacios urbanos. Sus luminosos lienzos, recorridos por conductos y canalizaciones de colores, están llenos de movimiento y energía. La exposición presenta las obras recientes del artista.
Más información en: MAM St. Étienne
La Virreina - Centro de la Imagen, Barcelona
Esta exposición pretende recoger la cultura visual fotográfica de la ciudad de Barcelona en la última década, no al modo de canon o solución, sino como un espacio de preguntas: ¿Es posible hablar de una identidad visual en Barcelona? ¿Es posible hablar de una mirada diferente desde las prácticas fotográficas locales que dé lugar a una serie de representaciones comunes también diferenciales?
Más información en: La Virreina
Estructurada en bloques temáticos, su recorrido alterna figuras históricamente consagradas y creadores de generaciones recientes —desde los fotógrafos catalanes con proyección internacional hasta los que conforman la imagen del día a día en los medios de la ciudad— dentro de una cadena narrada: la de los usos sociales de la fotografía en la producción de los imaginarios que constituyen la cultura visual de Barcelona. También incorpora un amplio volumen de medios —desde la fotografía analógica hasta la manipulación digital, el montaje de archivo o los diaporamas— y atraviesa todos los géneros posibles —desde la fotografía de las formas urbanas hasta la de moda, pasando por sus usos en el arte contemporáneo, las prácticas contrafotográficas, el retrato o el fotoperiodismo. Un retrato coral que busca también alentar el debate, la reflexión y la producción de conocimiento público sobre el sector fotográfico en el momento presente.
CAC Málaga presenta Las huellas del camino. CAC Málaga, una década , exposición colectiva que culmina con los actos conmemorativos por el décimo aniversario del Centro de Arte Contemporáneo de Málaga. La muestra, compuesta por 56 obras pertenecientes a 39 artistas, revisa la trayectoria realizada por el centro en estos diez años. Para esta colectiva se ha elaborado una selección de los artistas más destacados del arte contemporáneo que han pasado por las salas del CAC Málaga, revisando así, las principales corrientes artísticas y sus múltiples disciplinas, prestando una especial atención en aquellos artistas que han expuesto por primera vez en el centro o bien hayan realizado proyectos site specific para el mismo.
Más información en: CAC Málaga
La Casa Encendida, Madrid
Pictoplasma y La Casa Encendida presentan una exposición colectiva en torno a la presencia de personajes en el diseño y el arte contemporáneos, centrándose en la actual estrategia artística de apropiación, rediseño y creación de mascotas, mientras que éstas se han ido liberando de los contextos en los que habitualmente se han representado.
Se muestran obras originales, ediciones limitadas e instalaciones de más de 20 artistas, ilustradores y diseñadores internacionales. La exposición se acompaña de un amplio programa de conferencias, talleres, proyecciones y actuaciones.
Más información en: pictoplasma.com
Pictoplasma – White Noise presenta estrategias artísticas actuales que hacen uso de mecanismos similares a los de las mascotas, logos y marcas comerciales estableciendo una crítica a los mercados en los que se han originado o creando un culto fetichizado y distante con mascotas abstractas en un lugar central. La exposición muestra obras de mr clement, Mark Gmehling, Tim Biskup, Juan Pablo Manzelli, Osian Efnisien, Jeremyville, Geneviève Gauckler, Craig Redman, Bakea, Amandine Urruty, Buff Monster, El Grand Chamaco, Ian Stevenson, Aaron Leighton, Raymond Lemstra, Sauerkids, Slumber Bean, Kurt Seperately, Juan Molinet, así como segmentos e instalaciones co-comisariadas por Wooster Collective, Selim Varol y Pictoplasma Archives.
KAWS ha reinventado la estatuilla del premio Video Music Awards de MTV, creando una edición limitada del icónico astronauta plateado para la edición de 2013, cuya ceremonia tendrá lugar el 25 de agosto en el Barclays Center en Brooklyn. También ha rediseñado el logotipo y es el encargado de idear la escenografía del evento, incluyendo una figura hinchable de 18 metros de altura del nuevo astronauta - el mayor ‘Companion’ creado hasta la fecha -.
Conocido desde mediados de los noventa por sus grafitis e intervenciones en paradas de autobús - en las que reemplazaba los anuncios por sus propias obras - en la ciudad de Nueva York, durante la última década ha establecido su residencia y estudio en Brooklyn. Desde entonces, el artista ha reinterpretado figuras como las de Mickey Mouse o el hombre de Michelin y ha trabajado para grandes marcas como Nike y Marc Jacobs.
El hombre de la luna de KAWS, fundido con un impresionante acabado metálico, presenta algunos de los rasgos que han hecho su obra reconocible en galerías y rincones urbanos de todo el mundo - concretamente, la calavera con huesos cruzados y los guantes de su ‘Companion’ -, pero al mismo tiempo permanece fiel al icónico premio que ha sido entregado a grandes nombres de la música durante casi 30 años.
Fotografía: Craig Cutler / MTV
Más información en: MTV.com
Hannah Collins ha sido galardonada con el premio internacional de fotografía "Spectrum" concedido por la Fundación de la Baja Sajonia en colaboración con el Sprengel Museum de Hannover. Este premio se ha concedido desde 1995 y con una periodicidad bianual a artistas de la talla de Robert Adams, Thomas Struth, John Baldessari, Sophie Calle, Martha Rosler, Helen Levitt, Bahman Jalali y Boris Mikhailov. La ceremonia de entrega tendrá lugar en la primavera de 2015 con ocasión de la inauguración de una exposición en el Sprengel Museum acompañada de la edición de un completo catálogo sobre su obra.
Artista, fotógrafa y realizadora, Hannah Collins ha buscado a lo largo de su carrera expandir el campo de la fotografía y, más recientemente, el vídeo. Conocida desde los ochenta por sus fotografías en blanco y negro de grandes formatos acerca de objetos cotidianos, evocadores interiores y paisajes, en los últimos años se ha interesado por la relación colectiva con lo global y la modernidad tanto en películas como en obra fotográfica. Profundamente democrática, la labor de Collins insiste silenciosamente en revelar las complejidades de la vida y las formas en las que nos relacionamos con nuestro entorno tanto de manera colectiva como individualmente a través de la visión y la memoria consiguiendo obras de una sutil fuerza.
© Foto: Michael Herling / Benedikt Werner, Sprengel Museum Hannover
Más información: Sprengel Museum Hannover
Gering & López Gallery se complace en presentar
'The Bay Lights (edition)' en ArtMRKT San Francisco Art Fair
Fort Mason Center - Festival Pavilion
Stand 605
La recaudación por las ventas de la edición se destinará íntegramente al proyecto The Bay Lights
Vídeo en YouTube: Leo Villareal 'The Bay Lights (edition)'
CAC Málaga
El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta la exposición colectiva ‘At home I’m a tourist’ Colección de Selim Varol. La exposición comisariada por Fernando Francés, es una selección de piezas que hace un guiño al arte urbano y a la iconografía de una época y generación, como son la década de los 90 y principios del siglo XXI hasta la actualidad. Está compuesta por la colección de juguetes y ediciones de arte de Selim Varol. El coleccionista alemán de origen turco posee alrededor de 15.000 piezas de artistas contemporáneos tan relevantes como Banksy, KAWS, ZEVS, Shepard Fairey – OBEY, Daniel & Geo Fuchs, Audrey Kawasaki, FUTURA o JR, que han diseñado juguetes y otros artículos con un inconfundible sello personal.
Leo Villareal inaugura 'The Bay Lights', una monumental instalación de LEDs concebida para el Puente de la Bahía de San Francisco en California, que permanecerá encendida hasta 2015.
Con esta impresionante escultura de luz, Villareal transformará la arcada occidental del puente en la mayor instalación de estas características en el mundo. Con una longitud próxima a los dos kilómetros y medio y 25.000 nodos de LED fijados a cerca de 8 kilómetros de cableado vertical de suspensión, 'The Bay Lights' presenta una escala 8 veces superior a la de la Torre Eiffel. La instalación será vista por unos 50 millones de personas en el entorno de la bahía y muchas más que podrán hacerlo a través de internet cada noche hasta 2015.
Este proyecto de arte público ha sido posible gracias a la generosidad de distintos patrones y entidades colaboradoras, y se puede contribuir a su mantenimiento a través de su página web.
Más información en: The Bay Ligthts
Le Consortium, Dijon
Matthew McCaslin (1957, Bayshore - Nueva York) vive y trabaja en Brooklyn. Diplomado por la Parsons School of Design de Manhattan, desde finales de los años 80 se ha impuesto como uno de los artistas más destacados de la escena neoyorquina.
McCaslin es conocido por sus instalaciones y esculturas en las que combina luz, aparatos electrodomésticos y vídeos. Su vocabulario visual y formal se compone de bombillas, cables eléctricos, relojes, ventiladores, neones, enchufes… Habitualmente escondidos, la mayoría de estos objetos se revelan aquí en su conjunto, en su desnudez se podría decir. El artista nos entrega visiones de construcciones inacabadas, dejando al descubierto sus entrañas. Las imágenes anexas son a menudo integradas en sus instalaciones a través de pantallas de televisión. Los objetos de la vida corriente interrogan al espectador sobre su dependencia cotidiana de los mismos. La obra de McCaslin se basa en la relación entre funcionalidad y estética.
Para esta exposición en Le Consortium de Dijon, propone un modo de presentación inédito, una instalación ‘in situ’ de formas domésticas. Sus obras toman sitio en el esqueleto de una habitación revelándose, pieza a pieza, como adornos. Esta casa ‘inacabada’, o en obras, nos entrega sus secretos. Las obras imitan el mobiliario habitual de las habitaciones simbólicas: la bañera en el cuarto de baño, la cama en el dormitorio, etc. Se trata de pretextos, trampantojos y por supuesto humor.
Más información en: Le Consortium
Fundación Valentín de Madariaga, Sevilla
La exposición "Nunca Jamás. Historia de niños para adultos" explora la imaginación y el imaginario infantil para adentrarse en cuestiones del mundo de los adultos. Comisariada por Sema d'Acosta y producida con la colaboración de la Fundación Cajasol, esta muestra reúne 18 artistas nacionales e internacionales en una suerte de recorrido por el mundo onírico e infantil.
Jóvenes artistas como Julio Falagán, Javi Calleja, Guillermo Martín Bermejo o Juan Zamora han producido instalaciones específicas para esta exposición, que se muestran junto a las obras de Antonio Ballester Moreno o Quim Tarrida. Estos creadores nacionales comparten escenario con artistas internacionales como Yoshitomo Nara, Marcel Dzama o Kara Walter, e incluso el conocido director de cine Tim Burton, por primera vez formando parte de una muestra en Sevilla y cuya obra encaja a la perfección con el discurso y las características estéticas y conceptuales que explora esta muestra.
Artistas: Kara Walker, Marcel Dzama, Liliana Porter, David Levinthal, Tim Burton, Yoshitomo Nara, Vik Muniz, Walter Martin & Paloma Muñoz, Antonio Ballester Moreno, Fernando Renes, Aaron LLoyd, Juan Zamora, Jorge Perianes, Guillermo Martín Bermejo, Javier Calleja, Julio Falagán, Chema Lumbreras y Quim Tarrida.
Más información en: Fundación Valentín de Madariaga
Hayward Gallery, Londres
‘Light Show’ explora la naturaleza empírica y fenomenológica de la luz, presentando un conjunto de esculturas e instalaciones que emplean la luz de distintas maneras. La exhibición muestra un conjunto de obras creadas desde la década de 1960 hasta la actualidad en el que la luz es utilizada para esculpir y transformar el espacio.
La luz tiene el poder de influir en nuestro estado mental así como de cambiar la percepción del mundo que nos rodea. ‘Light Show’ incluye algunas de las piezas artísticas visualmente más estimulantes creadas en los últimos años. La exposición también presenta algunas obras que no se han visto en décadas y que han sido recreadas para su exhibición en Hayward Gallery.
La muestra cuenta con 22 artistas, entre los que destacan David Batchelor, Carlos Cruz-Diez, Olafur Eliasson, Dan Flavin, Ceal Floyer, Jenny Holzer, Anthony McCall, François Morellet, Iván Navarro, Katie Paterson, Conrad Shawcross, James Turrell, Leo Villareal y Doug Wheeler. El comisariado de la exposición lo asume Cliff Lauson, conservador de Hayward Gallery.
Desde instalaciones atmosféricas hasta esculturas intangibles alrededor y a través de las cuales uno se puede mover libremente, los visitantes experimentarán la luz en todas sus formas espaciales y sensoriales. Cada pieza explora un aspecto característico de la luz como el color, la duración, la intensidad o la proyección, así como el fenómeno de la percepción. Los artistas a través de la luz examinan temas como la arquitectura, la ciencia o el cine, y lo hacen utilizando una gran variedad de tecnologías lumínicas.
Leo Villareal presenta distintas intervenciones en espacios públicos de la ciudad de Nueva York.
El primer proyecto, 'Hive', ilumina la estación de metro de Bleecker Street. Encargo y propiedad de MTA Arts For Transit and Urban Design, Villareal ha creado una experiencia artística sin precedentes para los pasajeros que transitan el metro.
El artista también a diseñado una impresionante escultura lumínica, 'Buckyball' podrá contemplarse en Madison Square Park del 25 de octubre de 2012 al 15 de febrero de 2013.
Inaugurada el 22 de octubre, la obra 'Cosmos' iluminará el Museo de Arte Herbert F. Johnson de la Universidad de Cornell. Durante dos años, un equipo de ingenieros, técnicos, fabricantes y otros trabajadores han colaborado con el artista para construir esta instalación específica con luz.
Por último, ha concebido para un edificio de oficinas de la Sexta Avenida la instalación 'Volume (Durst)', hasta el momento su obra tridimensional de mayores dimensiones.
Del cálculo numérico a la creatividad abierta.
El Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid (1965-1982)
c arte c - Centro de Arte Complutense, Madrid. 31 de mayo - 12 de julio de 2012
Sala Conde de Rodezno, Pamplona. 20 de septiembre - 31 de octubre de 2012
La Sala Conde de Rodezno acoge una exposición con obras de artistas y documentación del Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid que evidencia la participación de esta entidad pionera en la creación artística más vanguardista de los años setenta del siglo XX. La muestra se presenta coincidiendo con el 40 aniversario de los Encuentros de Pamplona de 1972, evento en el que muchos de los artistas que trabajaban en el centro expusieron sus creaciones en lo que ha sido considerado uno de los acontecimientos artísticos más importantes de la segunda mitad del pasado siglo.
La muestra conmemora estos encuentros y se configura como un homenaje a los protagonistas de esta corriente artística desarrollada en el entorno de la investigación universitaria, como en el caso de José María Yturralde, becario del centro a cuya obra se dedica una de las salas. Además, pretende recordar una institución que, más allá de cumplir su función inicial, participó en la creación artística más vanguardista, potenciando y facilitando las tareas creativas y la generación automática de formas plásticas y musicales.
Tras el éxito de la dos primeras ediciones, ArteMadrid (Asociación de Galerías de Madrid) organiza este año del 20 al 23 de septiembre APERTURA 2012, una inauguración conjunta de la temporada artística con la participación de las galerías más importantes de Madrid.
En esta tercera edición, el programa incluye visitas a las casas de algunos de los principales galeristas de Madrid, “walking tours” por las diferentes zonas donde se concentra la oferta artística, y visitas guiadas al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía o a la colección de arte de la Fundación Santander. Un cóctel VIP el jueves servirá como punto de encuentro exclusivo para los coleccionistas, profesionales y galeristas que participan cada año en Apertura. El evento aspira así a consolidarse como una fecha imprescindible en la agenda artística. Además, el programa incluye, como en cada edición, numerosas actividades en las galerías que suelen recabar un gran apoyo del público.
APERTURA es una cita anual indispensable y una magnífica ocasión para reunir a coleccionistas, profesionales, artistas y aficionados, con el afán de dinamizar el panorama cultural y el mercado del arte contemporáneo.
John M. Armleder: Selected Furniture Sculptures (1979 - 2012)
Instituto Suizo, Nueva York. 13 de septiembre - 28 de octubre
John Armleder and Ecart
Galería Charles H. Scott / Universidad Emily Carr, Vancuver. 15 de septiembre - 21 de octubre
El Instituto Suizo se complace en presentar ‘Selected Furniture Sculptures 1979 - 2012’, la primera exposición individual de John Armleder en Nueva York en ocho años. La muestra contará con las obras más destacadas de un capítulo aún abierto para el artista suizo, poniendo de relieve la amplitud de visión de sus esculturas – mueble desde 1979 hasta la actualidad.
La exposición ha sido comisariada por el director del Instituto Suizo, Gianni Jetzer, en estrecha colaboración con el artista. Incluye tanto piezas históricas como obras nuevas así como la restitución de dos trabajos antiguos que no habían sido conservados. Muchas de las obras en exposición fueron producidas inicialmente en la década de los ochenta con ocasión de la muestras individuales de Armleder en la John Gibson Gallery situada en el 568 de la calle Broadway, con lo que se retoma la trayectoria expositiva del artista en Nueva York.
Más información en: swissinstitute.net
chscott.ecuad.ca
Gering & López Gallery presenta 'An Ideal For Living', una exposición de obra reciente del artista asentado en Nueva York Michael Bevilacqua. Esta será la tercera exposición individual de Bevilacqua en la galería.
La exposición consiste en una única y monumental pintura titulada ‘An Ideal For Living’, un lienzo en el que el artista ha trabajado durante más de un año. Al igual que en otras obras de Bevilacqua, el título hace referencia a una fuente musical en particular, en este caso al álbum de debut del grupo de rock post-punk Joy Division. El grupo se convirtió en una obsesión para Bevilacqua hasta el punto de que la pintura fue creciendo en la misma medida que su interés por su música, centrando toda su atención y reflejando su estado de ánimo. Cada canción, cada letra comenzó a cobrar un significado especial para el arista, quien encontró numerosos paralelismos con su propia vida, lo que se reflejó en su visión de su propio entorno.
‘An Ideal For Living’, de hecho, ha marcado el ritmo de la vida del artista durante el pasado año, incluso le ha hecho dejar de lado su estilo pictórico para dar paso a una serie de obras a las que se refiere como el nuevo des-orden. De naturaleza claramente biográfica, esta pintura de más de nueve metros presenta una ecléctica mezcla de color, texto, estilos visuales y procesuales. Tan rica como cabría esperar de una obra que ha tardado un año en configurarse, incorpora una serie de matices con zonas de nitidez y claridad que se superponen a aguadas de color y tonos taciturnos. En yuxtaposición a esta singular efusión, la otra obra reciente del artista adopta un enfoque distinto, mostrándose extremadamente minimalista y evocadoramente simbólica, despojada de todo color o textura.
La Fundació Suñol acoge El festín frágil, una exposición de Hannah Collins (Londres, 1956), artista que realiza películas, hace fotos y escribe. La muestra presenta 250 fotografías, editadas también en un extenso y delicado libro escrito por la artista, que nos adentran en la procedencia, tratamiento y degustación de 30 ingredientes culinarios utilizados por Ferran Adrià. Alentada por sus estrechos vínculos con Barcelona y Ferran Adrià, Hannah Collins se embarcó en un viaje a la búsqueda de los orígenes, de aquello oculto y esencial de determinados productos a través de Europa, América Latina y Japón, recorrido en el que tomó fotografías e indagó en la memoria identificativa de elementos culinarios muy singulares de la cocina del chef de El Bulli.
Memoria y entorno son las claves para apreciar las creaciones de Adrià, tal y como se aprecia en las imágenes resultantes del viaje culinario de Collins. Las fotografías revelan el lugar de origen, el proceso de transformación y la preparación en cocina de cada uno de los ingredientes, la mayor parte de ellos producidos en el seno de pequeñas empresas familiares alrededor del mundo. El libro, por su parte, aporta un elaborado texto para cada ingrediente, que nos describe el trabajo de pescadores, cazadores, ganaderos, agricultores y recolectores y nos muestra los mapas de localización de cada producto. Los textos y las imágenes de Hannah Collins convierten el libro en una pieza única, un documento histórico y una herramienta para repensar conceptos en el mundo de la cocina.
El viaje iniciático de Hannah Collins empezó hace ya muchos años, en su primera visita a La Boquería de Barcelona. La sensualidad en la disposición de los productos y la contemplación de las distintas estaciones del año representadas por la discontinua propuesta motivó en Hannah la investigación y reflexión sobre la fragilidad de la relación entre crecimiento, suministro y consumo.
Para la exposición El festín frágil, la fotógrafa ha retratado las anémonas gaditanas, el kuzu japonés, la miel de abejas nómadas cultivada en Italia o los pinos pirenaicos, entre otras materias primas, para reflejar el proceso de producción de 35 platos del reconocido chef catalán. Estas delicias locales entran así a formar parte de un lenguaje culinario muy amplio, que nos muestra la elegancia y sabiduría de la naturaleza en su propia génesis y su creativa transformación por el cocinero alquimista que la estudia y combina.
“Siempre que se analiza un plato, un estilo, nos fijamos en la composición, en las técnicas, incluso en el acierto en la combinación de productos, pero pocas veces se piensa en que cada producto que uno está comiendo posee una historia detrás”, explica Ferran Adrià al describir la labor fotográfica de Collins. “Y esto es lo que ha hecho Hannah, retratar la trastienda de cada uno de estos ingredientes, tirar del hilo hasta el origen de una serie de productos emblemáticos, cada uno de los cuales implica un territorio, unas personas que lo trabajan desde hace tiempo, a menudo siguiendo unas técnicas y unos procedimientos ancestrales”, destaca Ferran Adrià.
La lección y la herencia que nos propone El festín frágil establecen una intensa sinergia entre artes visuales y culinarias, haciendo remarcable la grandeza de lo pequeño en nuestra vida diaria, a través de unas fotografías que no solo incitan a mirar, sino también a tocar, oler y saborear cada ingrediente retratado.
Hannah Collins (Londres, 1956) vive y trabaja entre Londres y Barcelona. Artista, fotógrafa y cineasta, su obra gira en torno a las experiencias colectivas de la memoria, la historia y lo cotidiano. Entre otros museos y centros de arte, ha expuesto en: Museo de Arte de la Universidad Nacional de Colombia (Bogotá), Caixaforum (Barcelona y Madrid) Centre Pompidou (París), Artium (Vitoria), La Laboral (Gijón), CAC (Málaga), VOX image contemporaine (Montreal), Centre national de la photographie (París), Irish Museum of Modern Art (Dublín) y Tate Modern (Londres). Su obra está presente en diversas colecciones: Deutsche Bank Collection (Londres); Fundación Botín (Santander), Fundació Banc Sabadell (Barcelona), MACBA (Barcelona), Maison européene de la photographie (París), Musée des Beaux Arts de Nantes, MNCARS (Madrid), el Parlamento Europeo (Estrasburgo), Tate Gallery (Londres), MUDAM (Luxemburgo) y Walker Art Museum (Minneapolis), entre otras.
Museo de Arte y Ciencia de Luisiana
Sustituyendo el lienzo por la pantalla de ordenador, John F. Simon Jr. emplea la tecnología informática para crear dinámicas experiencias visuales con arraigo en la tradición histórica del arte. Al frente de los nuevos medios a nivel internacional desde la década de los noventa, Simon escribe su propio código informático, basándolo en la creencia de que simples reglas, activadas y mostradas en la pantalla, crean más imágenes de las que uno puede ver en toda su vida. Inspirado por las obras y teorías de la modernidad europea, como las de Joseph Albers, Paul Klee y Piet Mondrian, crea imágenes en constante evolución que nunca se repiten.
Para crear sus obras, Simon comienza por el dibujo. En los últimos doce años se ha propuesto una práctica diaria que denomina ‘Divination Drawings’, que le sirve de inspiración y fuente material para su producción posterior. En estas composiciones con lápiz o gouache permite a su pensamiento subconsciente y a sus emociones guiar su trazo, después las analiza para distinguir cuáles son las marcas o símbolos persistentes que mejor pueden ser traducidas al lenguaje codificado. Gran parte de la inspiración de Simon proviene de su conocimiento del arte creado mediante sistemas o reglas, como los estudios de contraste de color de Joseph Albers o los Wall Drawings de Sol LeWitt. Para Simon, las reglas puedes ser liberadas, los patrones emergen de manera impredecible a través de ciclos de software con sencillos conjuntos de reglas de dibujo. El resultado final se muestra como un objeto en la pared montado sobre plástico o formica cortados con láser, recubiertos con elaborados armarios o simplemente proyectados.
Simon no denomina sus obras como pinturas, sino que prefiere términos como software o arte digital. Pero incluso en lo que actualmente se ha propuesto como ‘el campo expandido de la pintura’, una variedad de formas artísticas que incluye creaciones digitales, videos e instalaciones, se discute dentro de los parámetros de la propia pintura. En este contexto, la obra de Simon podría considerarse como un indicio del futuro de la pintura del siglo XXI.
Nacido en Luisiana en 1963, John F. Simon Jr. vive en Nueva York. Su obra ha sido expuesta a nivel internacional y forma parte de destacadas colecciones de museos como el Solomon R. Guggenheim y el Whitney Museum of American Art de Nueva York o la Collezione Maramotti in Reggio Emilia, Italia.
Tate St. Ives, Cornualles. 19 de mayo - 23 de septiembre
Turner Contemporary, Margate (Kent). 6 de octubre - 13 de enero
Alex Katz (Brooklyn, Nueva York, 1927), con una carrera que abarca más de seis décadas, es uno de los artistas norteamericanos más importantes y respetados. Give me tomorrow reúne pinturas, estudios al óleo, collages y siluetas rara vez exhibidas, recogiendo su amplia trayectoria desde los años cincuenta hasta la actualidad.
Las audaces pinturas de Katz se definen por su planitud de color y forma, su economía de línea y su fría aunque seductora distancia emocional. Recurriendo a géneros como el retrato, el paisaje, los estudios de figuras y flores, muchas de sus obras representan el día a día en Estados Unidos en momentos de ocio y diversión. Uno de sus temas recurrentes es su mujer y musa Ada, cuya imagen icónica aparece en su trabajo desde la década de los cincuenta.
Influenciado tanto por el estilo, el cine, la poesía y la música como por la historia del arte, Katz continua la tradición de artistas europeos y norteamericanos como Édouard Manet, Henri Matisse y Edward Hopper. Comenzó a exponer en los primeros años cincuenta, momento en que el Expresionismo Abstracto era el movimiento dominante en el arte norteamericano liderado por figuras como Jackson Pollock, Mark Rothko y Willem de Kooning. Katz admiraba a estos artistas, pero en lugar de seguir su estela optó por desarrollar un lenguaje figurativo contemporáneo combinando los grandes formatos de la abstracción abstracta norteamericana con los colores vivos y el estilo gráfico de los carteles publicitarios. Influyente precursor del Pop Art en los años sesenta, Katz ha declarado que quería hacer pinturas que se pudieran colgar en Times Square.
Actualmente, Alex Katz sigue siendo un pintor prolífico y una destacada figura cuya influencia ha marcado a generaciones de artistas.
Para acompañar esta exposición, Alex Katz ha realizado una selección personal de pinturas de la colección de la Tate que se exhibirá de forma paralela en la galería oeste.
Bajo el título de “Casi Nada”, la exposición del artista norteamericano Alex Katz ofrece en el Museo de Arte Contemporáneo Gas Natural Fenosa, MACUF, una selección de 22 pinturas de paisajes, escenas y retratos, casi todas de gran formato, con el estilo llano de este creador de composiciones planas, siluetas o ‘cutouts’, así como retratos sobre madera recortada que viene produciendo desde los años sesenta.
Con la exposición se presenta una publicación de la que es autor David Barro, comisario de la muestra que toma como punto de partida a Alex Katz, señalando cómo hace décadas supo apreciar el declinar de la pintura gestual en un manierismo absolutamente codificado y repetido, para recomponer su propia figuración dentro de un nuevo espíritu de abstracción fría mediante unos personajes y entornos bellos, procurando lo elegante e incluso lo insignificante. Porque Alex Katz eleva lo cotidiano a categoría artística.
Según el comisario de la muestra, el artista estadounidense “consigue muchas cosas con una pintura que, aparentemente, semeja no contener casi nada”. En la exposición abierta en el Museo de Arte Contemporáneo Gas Natural Fenosa queda claro cómo a Alex Katz le gusta sobre todo mirar. Las cosas, las personas, un panorama. Sólo así es posible aprehender la potencia del mundo. Un mundo de su alrededor mostrado en esta exposición abierta en La Coruña hasta el 30 de septiembre de 2012.
Leo Villareal, junto a Gering & López Gallery, participan en el 25 aniversario de TEFAF, la feria de arte que se celebra en la ciudad holandesa de Maastricht, con uno de sus últimos proyectos: una escultura site-specific encargada por la feria con motivo de esta conmemoración.
Cylinder II destacará en el hall de entrada a la feria suspendida por encima de los visitantes. Sus patrones lumínicos estarán programados de acuerdo al ritmo y entorno de la exposición, reflejando y contribuyendo simultáneamente al pulso del evento.
Gering & López Gallery presenta 'King of the Wild Frontier' de Todd James, la segunda exposición individual de este artista asentado en Nueva York en la que se mostrarán sus últimas obras.
En esta exposición, James presenta dos grupos de obras recientes. El primero consiste en una serie de pinturas en las que representa sus característicos piratas somalíes, pero ya no sobre hojas de papel recortadas toscamente sino sobre lienzo. Estos óleos y acrílicos dominan el espacio de la galería con sus formas limpias, su gran formato y sus pinceladas vibrantes. La nueva técnica acentúa las características propias del estilo de James, especialmente los atractivos colores y la fluidez en el dibujo de sus temas.
Estos piratas tienen la cabeza cubierta con turbantes, fuman cigarrillos, toman el té al atardecer portando viejos AK-47 y lanzagranadas. En las formas curvas de sus cartucheras y de sus correas resuenan las tipografías de los graffitis de los setenta. A lo lejos su presa - los buques de carga - es representada por siluetas compactas que ocupan la línea del horizonte en el mar. Estas obras remiten a la historia de David y Goliat con temas como la supervivencia, la justicia, la ingenuidad, la propiedad y la diferencia.
Cerca de cincuenta galerías de arte madrileñas celebran de forma simultánea el inicio oficial de la temporada artística.
En los días 15, 16 y 17 del próximo mes de septiembre Madrid se convertirá en un punto de ebullición del arte contemporáneo. Con la celebración de APERTURA 2011, cerca de cincuenta inauguraciones simultáneas y un amplio programa de actividades en museos y centros de arte potenciarán nacional e internacionalmente la creación plástica y las industrias culturales españolas.
La segunda edición de APERTURA, organizada por ArteMadrid, está en la línea de los eventos que se celebran en otros grandes núcleos del panorama internacional como el Gallery Weekend de Berlín o de Nueva York.
Para este evento, las galerías de arte que componen ArteMadrid escogen lo mejor de su plantel de artistas tanto españoles como internacionales, consagrados y emergentes. La cita atraerá a coleccionistas, expertos y comisarios de todo el mundo.
Al mismo tiempo, el público general podrá acercarse aún más al arte contemporáneo gracias a los horarios de apertura ampliados de las salas participantes, las visitas a colecciones privadas, las charlas y, especialmente el sábado por la mañana, los desayunos que ofrecerán las galerías de arte.